lunes, 3 de junio de 2013
miércoles, 15 de mayo de 2013
TIPOGRAFÍA
Se conoce como tipografía a la destreza, el oficio y la industria de la elección y el uso de tipos (las letras diseñadas con unidad de estilo) para desarrollar una labor de impresión. Se trata de una actividad que se encarga de todo lo referente a los símbolos, los números y las letras de un contenido que se imprime en soporte físico o digital.
El diseño, la apariencia y las dimensiones de los tipos dependen de la tipografía. Es posible distinguir diversas ramas o divisiones en este arte, como la tipografía creativa (que explora las formas gráficas más allá de la finalidad lingüística de los símbolos), la tipografía de edición (vinculada a las propiedades normativas de las familias de tipos), la tipografía del detalle o microtipografía (centrada en el interlineado, el interletrado y la marca visual) y la macrotipografía (especializada en el tipo, el estilo y cuerpo de los símbolos).La tipografía imitaba, en un principio, la caligrafía. Con el tiempo se fue optando por los tipos más legibles y fáciles de entender, una decisión vinculada además a los adelantos técnicos.
Los tipos móviles originarios fueron desarrollados por Johannes Gutenberg (1398-1468), aunque dichos experimentos ya eran realizados por los chinos en el siglo XI. Gutenberg se dedicó a grabar los caracteres en relieve de manera inversa sobre una matriz hecha de acero y, en 1445, logró crear el primer libro impreso de Occidente (la Biblia).
Un libro el citado, que también es conocido como la Biblia de 42 líneas, en alusión al número de líneas que daba forma a cada página.
A la hora de hablar de tipos, que son cada una de las clases de letras existentes o de las piezas de la imprenta que se usan para realzar una letra o signo en concreto, tenemos que subrayar el hecho de que aquellos cuentan con una serie de componentes que forman lo que es su anatomía. Así, por ejemplo, poseen una altura, astas, un brazo, cola, una determinada inclinación, remates e incluso una oreja.
De esta manera, partiendo de este conjunto de elementos y de otros muchos más, se lleva a cabo el establecimiento de dos clasificaciones de tipos: histórica o por forma.
En el caso de la primera modalidad citada podemos hablar que se compone de tipos antiguos, egipcios o modernos, entre otros. Mientras, en la segunda este conjunto de letras se diferencian en base a si tienen o no remates que faciliten o dificulten lo que es su lectura.
En el siglo XIX, la tipografía apostó por dos grandes técnicas: la monotipia (donde cada símbolo es fundido en relieve de manera aislada) y la linotipia (las líneas completas son fundidas por separado y, al finalizar la impresión, se vuelve a fundir todo).
TEORÍA DE LA GESTALT
Según la teoría de la Gestalt, la mente configura los elementos que recibe por medio de los canales sensoriales o de la memoria. Dicha configuración adopta un carácter primario sobre los elementos que la conforman. La suma de dichos elementos no nos permite la comprensión del funcionamiento de la mente, lo que postulaban como: el todo es más que la suma de sus partes.
En 1910, esta escuela desarrolló trabajos sobre el movimiento aparente, lo que dio lugar a la teoría del fenómeno Phi.
Los postulados de la Gestalt:
Uno de sus principales postulados dice que la experiencia perceptiva tiende siempre a adoptar la forma más simple posible. Esta es la ley de la Pregnancia.
El principio de cierre: considera que nuestra mente tiene la tendencia a agregar los elementos faltantes para completar una figura, cuando no se percibe completa.
Principio de semejanza: la mente agrupa los elementos similares formando una entidad.
Principio de proximidad: tendemos a agrupar parcial o secuencialmente elementos, basados en la distancia.
Principio de simetría: las imágenes simétricas se perciben como iguales, como un único elemento en la distancia.
Principio de continuidad: cuando los elementos mantienen un patrón, tendemos a percibirlos continuos aunque estén interrumpidos.
Principio de dirección común: los elementos que parecen construir un patrón en la misma dirección, se perciben como figura.
Principio de simplicidad: organizamos los campos perceptuales con rasgos simples y regulares.
Principio de relación entre figura y fondo: considera que cualquier campo perceptual se puede dividir en figura contra fondo.
POP ART
Tema: Movimiento Artístico del
siglo XX. Pop art o Arte popular.
Arte Pop (Pop Art)
- Sus Inicios:
El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la
década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como
reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que
consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el
empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la
comunicación de masas y los aplican al arte.
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente
para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de
la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte
Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación
plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la
democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser
únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos
industriales, de los carteles, de los artículos de consumo
comercial. Describía lo que hasta entonces había sido
considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de
revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas,
los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva
al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series
reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.
El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se
amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo
largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a
un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su
contemporaneidad con sutil conformismo.
El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus
formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser
captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos
corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que
representaba la interpretación de las obras del expresionismo
abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad.
El Arte Pop (Pop Art) eleva los objetos de la vida diaria moderna
a obras de arte y, con la frialdad del distanciamiento, pone su
mirada en la atracción estética de los vulgares artículos de
consumo.
Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la
poca importancia puesta en el objeto de arte final y en el uso del
collage y del fotomontaje.
- Representantes
- Richard Hamilton
Es uno de los pioneros del Pop Art británico y su collage
titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy
en día tan diferentes, tan divertidos?, ha
sido considerado la primera obra del Arte Pop.
Es un collage fotográfico que ataca directamente a la sociedad de
consumo, al culto al cuerpo, al erotismo, a la publicidad y a la
tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía de
contenido y que tan sólo elogia lo superficial y la apariencia.
Introduce ya elementos típicos como el televisor, el magnetófono o
el póster de una viñeta de cómic.
- Roy Lichtenstein
Lo más característico de Lichtenstein son sus
composiciones salidas directamente de las viñetas de los comics, que
son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados,
reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos
colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.
- Tom Wesselmann
Tom Wesselmann se interesa por el tema de la sensualidad
y la mujer como reclamo publicitario y como objeto de consumo.
Elige las partes más sensuales del cuerpo femenino, las piernas,
los labios, etc. y las mezcla con objetos cotidianos. Trabajó sobre
todo los montajes y las instalaciones, donde incorpora objetos reales
y recrea espacios habituales de la burguesía americana.
- Andy Warhol
Andy Warhol utilizó fotografías de prensa
contemporáneas y las repitió múltiples veces en la misma
superficie arrancándolas de su contexto habitual y trasladándolas
al dominio del arte. Describió así la deshumanización
que practican los modernos medios de comunicación de masas.
IMAGEN DIGITAL
- La imagen digital
Vivimos una era en la que todas las
formas de la información están sufriendo un proceso de
digitalización. Las imágenes, por supuesto, no han podido escapar a
este proceso. La fotografía, el cine, la televisión, el diseño
gráfico e, incluso, el diseño industrial producen miles de imágenes
digitales, que son almacenadas en algún soporte físico, enviadas
por un medio de transmisión electrónico, presentadas en una
pantalla o impresas en papel en algún dispositivo.
Muchas personas, cuando se quieren
comprar una cámara de vídeo o un escáner, escuchan atentamente los
consejos del vendedor pero no entienden bien lo que les dice:
“megapíxeles”, “puntos por pulgada”, “profundidad de color
de 32 bit”. Vaya un lío. ¡Qué lejos están las películas
fotográficas de 35 milímetros y el positivado en papel fotográfico!
Cuando producimos imágenes, tomando
fotos o escaneando un documento, por ejemplo, tenemos que tomar
algunas decisiones para alcanzar un compromiso entre la calidad de la
imagen y el tamaño del archivo. Para tomar bien esas decisiones hay
que tener claros algunos conceptos básicos y con ese objetivo he
redactado estos apuntes.
La primera decisión que debemos tomar
es si queremos producir una imagen vectorial o una imagen bitmap.
Cada uno de estos tipos de imagen se produce y edita con programas
diferentes y tiene aplicaciones diferentes. Conviene comprender bien
en qué se diferencian y cuáles son las ventajas e inconvenientes de
cada una.
- Imágenes vectoriales
Las imágenes vectoriales están
compuestas por entidades geométricas simples: segmentos y polígonos
básicamente (de hecho, una curva se reduce a una sucesión de
segmentos). Cada una de estas entidades está definida
matemáticamente por un grupo de parámetros (coordenadas inicial y
final, grosor y color del contorno, color del relleno, etc.) Por
compleja que pueda parecer una imagen, puede reducirse a una
colección de entidades geométricas simples. La imagen siguiente es
una imagen vectorial:
Al estar compuestas por entidades
geométricas simples, las imágenes vectoriales se pueden cambiar de
escala, para ampliarlas o reducirlas, sin que la imagen pierda
calidad.
- Imágenes bitmap
Las imágenes de mapa de bits están
construidas mediante una gran cantidad de cuadraditos, llamados
pixel. Cada uno de estos cuadraditos está relleno de un color
uniforme, pero la sensación obtenida es el resultado de integrar
visualmente, en la retina, las variaciones de color y luminosidad
entre píxeles vecinos.
Las imágenes de mapa de bits, también
llamadas bitmap, son la alternativa ideal para reproducir objetos
sutilmente iluminados y escenas con gran variación tonal. De hecho,
es el tipo de imagen utilizado para la fotografía y el cine.
Obviamente, la calidad de la imagen dependerá de la cantidad de
píxeles utilizados para representarla.
Así pues, resumiendo, antes de crear
una imagen hay que elegir una de las dos tecnologías de imagen
digital: vectorial o bitmap. Cada una de ellas tiene unas
aplicaciones y su producción exige unos requisitos que hay que
conocer.
Las imágenes vectoriales son ideales
para cartelería, diseño de envases, imagen corporativa, logotipos
etc., es decir en todas aquellas situaciones en las que una misma
imagen, hecha con una gama reducida de tintas planas, debe ser
reproducida en distintos soportes y a distintos tamaños.
Las imágenes en mapa de bits, en
cambio, son perfectas cuando la gama de colores cambia sutilmente. En
este caso, la imagen debe generarse teniendo muy en cuenta dónde y
cómo va a mostrarse, con una cantidad de píxeles y una gama de
colores adaptados al soporte en el que va a reproducirse. Una vez
hecha, las modificaciones comportarán pérdida de calidad.
- La resolución
Podemos definir la resolución como la
capacidad de reproducir fielmente los detalles de una imagen.
Utilizaremos esta palabra, lógicamente, al referirnos a la
resolución de una imagen digital, pero también, al referirnos a una
impresora, un monitor, una cámara o un escáner. Así pues, se trata
de un concepto fundamental, que posee distintas acepciones, según el
contexto en el que lo utilizamos.
- La resolución de una imagen
La resolución de una imagen es la
cantidad de píxeles que la componen. Suele medirse en píxeles por
pulgada (ppi)1 o píxeles por centímetro (pcm). Cuanto mayor es la
resolución de una imagen más calidad tendrá su presentación pero,
desgraciadamente, más espacio ocupará en el disco el archivo
gráfico que la contiene.
- Dimensiones de la imagen
Las dimensiones de una imagen se
expresan, como es habitual, en cm o mm. Por ejemplo, una imagen de 10
x 15 cm medirá 10 cm de ancho y 15 cm de alto.
- Profundidad de color
Cada uno de los píxeles de una imagen
bitmap está coloreado con un color homogéneo. Así pues, el archivo
que contiene los datos de la imagen debe contener la información del
color de cada uno de los píxeles. ¿Cuántos bit se emplean para
albergar esta información? Eso es lo que se conoce con el término
profundidad de color de una imagen.
Profundidad de color es el número de
bits utilizados para describir el color de cada pixel de la imagen.
Es obvio que, cuanto mayor sea la
profundidad de color de una imagen, más colores tendrá la paleta
disponible y, por tanto, la representación de la realidad podrá
hacerse con más matices, con colores más sutiles.
- La resolución del monitor
Hacemos imágenes para mostrarlas, muy
frecuentemente, en un monitor. La pantalla del monitor está
compuesta también por puntos o dots muy próximos entre sí. Esos
puntos se corresponden con los agujeros de la máscara, en un monitor
de tubo catódico, o con los puntos de una matriz en las pantallas
planas.
Nuestro ojo integra la luz recibida de cada
punto para componer una imagen que parece continua.
EL CARTEL
Los carteles
publicitarios en la actualidad
Podemos definir a los
carteles como medios gráficos de comunicación, porque al fin y al
cabo su misión es comunicar algo: una publicidad, un mensaje, una
ideología política, etc. En alguna ocasión nos vimos en la
necesidad de comunicarnos a través de carteles o posters; hoy en
día, la comunicación a través de carteles se ha tornado una de las
modalidades más estudiadas y explicadas en Congresos, seminarios y
cursos.
- Carteles publicitarios antiguos
Los buenos carteles
poseen un gran atractivo visual y fuerza emotiva, y es por esto que
lo vuelven uno de los medios de comunicación de mensajes más
eficaces: esta comunicación puede establecerse con personas,
instituciones, familias, etc. Los carteles son empleados en la
política, el comercio, la educación, la industria, la salud, etc; y
como es un medio eficaz de comunicación, debemos planearlo,
realizarlo y saber difundirlo.
Los carteles se
definen como materiales gráficos capaces de transmitir un mensaje,
se encuentra integrado en una unidad estética compuesta por imágenes
que tienen un gran impacto en el individuo y por breves textos.
Muchos estudios han definido a los carteles como "un grito en la
pared", que capta nuestra atención y nos obliga, de alguna
manera, a percibir el mensaje. También puede definirse como un
susurro que tiene como objetivo penetrar la conciencia del individuo
e inducirlo a adoptar la conducta sugerida por dicho cartel.
En conclusión,
definimos a los carteles como materiales gráficos, cuyas funciones
son enviar distintos mensajes al espectador con el propósito de que
sea captado por éste, lo recuerde, y luego actúe en forma
concordante a los que fue sugerido.
- Tipos de carteles y características
Diseño de cartel
publicitario en hostelería
Existen en el mercado
dos tipos de carteles, los tipos informativos y los formativos. los
primeros fueron planeados para comunicar eventos, cursos, reuniones,
conferencias espectáculos, etc. Este tipo de carteles puede ser dado
a conocer sólo en formato de texto por lo cual se recomienda emplear
letras grandes sobre un fondo de color que contraste. Los textos de
dicho cartel deben darle al espectador sólo la información de
carácter indispensable.
Estos carteles también
pueden presentarse acompañados de imágenes, las mismas pueden estar
hechas a base de tipografías de sujetos, formas u objetos y suelen
acompañar textos cortos. Por otro lado los carteles formativos se
utilizan para proporcionar el establecimiento de hábitos tales como
salud, higiene, limpieza, orden seguridad, etc. También pueden ser
utilizados para fomentar actitudes de confianza, esfuerzo, actividad,
conciencia, etc. En los carteles formativos las imágenes poseen una
gran preponderancia sobre el texto, el mensaje se expresa
gráficamente en forma concisa y clara en donde el texto tiene un
escaso margen de aparición, la función del mismo es darle énfasis
a la imagen que estamos percibiendo.
El mensaje que aparece
en los carteles debe ser de tipo global, cada elemento debe
integrarse armónicamente y dar a luz a una unidad estética de alto
impacto, para poder facilitar el manejo y aprendizaje de estos
elementos tendremos que dividirlos en dos: elementos físicos y
psicológicos.
Los primeros son
aquellos que se relacionan con el tratamiento estético o arreglo y
el atractivo visual, mientras que los elementos psicológicos, son
los que estimulan al receptor para que se oriente a lo que el mensaje
pretende, la intención aquí es impactar en el individuo para que el
mensaje perdure.
- carteles publicitarios para andamios
¿Qué
características debe poseer un cartel para ser de calidad?
Los carteles que
llaman la atención son aquellos que poseen calidad, la misma se
relaciona con la buena terminación de la imagen, el adecuado color
del fondo, la buena distribución de los elementos, etc.
La imagen debe ser una
síntesis capaz de resumir la idea de forma adecuada en una mínima
expresión física, siendo siempre clara y significativa, no se
recomienda utilizar imágenes exageradas ya que podría perderse el
objetivo de lo que realmente se quiere transmitir y la idea podría,
a la ve, tornarse confusa.
Antes de promocionar o
difundir un mensaje utilizando un tipo de imagen, se realiza un
estudio de mercado que va a indicar cuáles con los contrastes,
dibujos y fondos que tienen un mayor impacto en el público al que lo
vamos a dirigir: niños, adolescentes, gente mayor, etc., por
ejemplo, para promocionar un producto de belleza, los carteles más
efectivos son los que poseen fondo blanco o colores claros ya que se
relacionan más con lo femenino y lo suave.
FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA
La fotografía publicitaria consiste en ser
testigo, en mostrar un producto tal y como es. Puede ser dividida en
dos categorías: la primera es la del producto anunciado o en la
envoltura; y la segunda la del producto que visualmente no es
atractivo, promocionando sus beneficios y no su atractivo como en la
anterior.
La meta de la fotografía publicitaria es
enfatizar las características físicas del producto, servicio o
persona que se promocione, con la intención de ilustrar una idea y
ser usado en publicidad.
La fotografía publicitaria debe mostrar, en
la medida de lo posible, lo que el publicista ha visualizado en su
mente. Es el recurso de diseño más utilizado en el s.XX para
campañas de cualquier tipo, desde su carácter más comercial para
venta de productos, posicionando marcas, o intentando transmitir
ideas y mensajes en propaganda.
Características / Usos y aplicaciones
Su uso generalmente se da en estas
herramientas:
• Catálogos
• Revistas
• Empaques
• Etiquetas
• Material Punto de Venta (POP)
• Páginas web
La fotografía Publicitaria de
Hoy:
Hace un par de décadas
no se le daba tanta importancia a la publicidad ni a la fotografía
publicitaria porque eran privilegios reservado para las grandes
compañías; las pequeñas empresas e independientes vendían sus
productos de manera directa o personal sin hacer mayores esfuerzos
publicitarios y, apegados a este estilo anticuado y supuestamente
económico, no justificaban mayores inversiones en publicidad puesto
que lograban estándares de ventas satisfactorios.
Hasta que la
competencia se fue volviendo más abundante, más agresiva y comenzó
a hacer presencia en el mercado presentando productos o servicios
similares pero respaldándolos eficazmente con publicidad, entonces,
hasta los más escépticos, vieron la necesidad de defenderse con
iguales o mejores respuestas publicitarias.
Gracias a Internet, a
la fotografía digital y a las nuevas tecnologías que han surgido y
abaratado los procesos de impresión publicitaria, hoy en día todos
tenemos acceso a variadísimas posibilidades de publicitar servicios
y productos.
domingo, 5 de mayo de 2013
miércoles, 3 de abril de 2013
lunes, 1 de abril de 2013
Teoría del Cubismo
Tema Cubismo
El Cubismo,
pintura y escultura
El origen del cubismo se refleja en la fecha de 1907, porque en dicha época Picasso concluye Las
Señoritas de Avignon, que será donde se da el punto de partida.
George Braque junto con Picasso son
los inspiradores de dicho movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y
Albert Gleizes, pero ya con anterioridad, Cézanne habría marcado el camino.
Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra
él. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la
realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se
dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa
más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la
pintura de Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes,
de formas. Y una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el
problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos
de vista.
Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo que hará un
replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el
movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje
pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la
obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene
que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.
El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la
interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí
misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se
consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en
planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen.
Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con
la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las
gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad,
apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas
invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se
traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca
cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. Los
principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.
Etapas
del Cubismo Se distinguen diversas fases en el desarrollo del Cubismo.
·
Cubismo Analítico: caracterizado por la descomposición de la
forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El
objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el
de más difícil comprensión.
·
Cubismo
Sintético: Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es
la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es
analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía
esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más
significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.
Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de
la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en
practicarlo fue Braque. El collage
nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el
análisis minucioso, sino la imagen global.
Pintores
Cubistas
·
Pablo
Ruiz Picasso (1881-1973): Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las
normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en
volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere a un burdel barcelonés
situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte
ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen
desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.
Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La fábrica de Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.
En Naturaleza
muerta con silla de rejilla, Guitarra y enNaturaleza muerta introduce el collage.
A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de
investigación e irá definiéndose su eclecticismo reelaborando experiencias
anteriores con gran libertad, como el surrealismo y el expresionismo.
El Guernica,
el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el bombardeo del 26
de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica, responde a los modos
intelectuales de los cubistas, a la simbología del surrealismo y a las
deformaciones expresionistas.
·
George
Braque (1882-1963): Es el
otro gran creador del cubismo junto a Picasso. En L´Estanque, cerca de Marsella
descubrió que se pueden simplificar las formas reduciéndolas a prismas y
cilindros. Son características sus naturalezas muertas, empleando con
frecuencia la guitarra, el violín o la mandolina.
En Naturaleza
muerta con naipes reduce el
cromatismo a colores grises y geometriza y descompone las formas para crear una
nueva realidad mediante superposiciones y transparencias.
También introducirá en sus pinturas los collages.
Sus obras más destacadas son El bodegón de la guitarra, El bodegón del violoncelo, El taller del pintor.
Sus obras más destacadas son El bodegón de la guitarra, El bodegón del violoncelo, El taller del pintor.
·
Juan
Gris (1887-1927): Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Sus
composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Esta mezcla de
suavidad y energía la observamos en la ordenación de sus bodegones, realizados
a base de planos muy violentos. Los elementos que aparecen son vasos, botellas,
diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales. Apenas trata otro
tema que el del bodegón. Naturaleza
muerta, El desayuno, Naturaleza muerta sobre una silla.
·
Fernand Leger
(1881-1955): El cubismo de Leger tiende hacia formas de aspecto mecánico
y tubular. Le importa la vida cotidiana y el maquinismo de la gran ciudad. En
su Partida de cartas, los protagonistas han sido convertidos en una especie de
robots metálicos. Seguirán otros cuadros como Los acróbatas, Los cilindros, Las
hélices, etc. Sus personajes son vistos con cierto carácter de autómatas.
El comienzo de la Primera Guerra Mundial fracciona el Cubismo,
pero seguirá existiendo en experiencias como el purismo, la Sección Aurea o
Sección de Oro y el constructivismo ruso.
Conceptos sobre Teoría del Color
Teoría del color
Todo color posee una serie de propiedades que le hacen variar de
aspecto y que definen su apariencia final. Entre estas propiedades cabe
distinguir:
·
Matiz (Hue)
Es el estado puro del color, sin el blanco o negro agregados, y es un
atributo asociado con la longitud de onda dominante en la mezcla de las ondas
luminosas. El Matiz se define como un atributo de color que nos permite
distinguir el rojo del azul, y se refiere al recorrido que hace un tono hacia
uno u otro lado del círculo cromático, por lo que el verde amarillento y el
verde azulado serán matices diferentes del verde.
·
Los 3 colores primarios representan los 3 matices primarios, y
mezclando estos podemos obtener los demás matices o colores. Dos colores son
complementarios cuando están uno frente a otro en el círculo de matices
(círculo cromático).
Saturación o Intensidad
También llamada Croma, este concepto representa la pureza o intensidad
de un color particular, la viveza o palidez del mismo, y puede relacionarse con
el ancho de banda de la luz que estamos visualizando. Los colores puros del
espectro están completamente saturados. Un color intenso es muy vivo. Cuanto
más se satura un color, mayor es la impresión de que el objeto se está
moviendo.
También puede ser definida por la cantidad de gris que contiene un
color: mientras más gris o más neutro es, menos brillante o menos
"saturado" es. Igualmente, cualquier cambio hecho a un color puro
automáticamente baja su saturación.
Valor o Brillo (Value)
Es un término que se usa para describir que tan claro u oscuro parece
un color, y se refiere a la cantidad de luz percibida. El brillo se puede
definir como la cantidad de "oscuridad" que tiene un color, es decir,
representa lo claro u oscuro que es un color respecto de su color patrón.
Es una propiedad importante, ya que va a crear sensaciones espaciales
por medio del color. Así, porciones de un mismo color con un fuertes
diferencias de valor (contraste de valor) definen porciones diferentes en el
espacio, mientras que un cambio gradual en el valor de un color (gradación) da
va a dar sensación de contorno, de continuidad de un objeto en el espacio. El
valor es el mayor grado de claridad u oscuridad de un color.
Grupos de colores
Con estos conceptos en mente y tomando como base la rueda de colores
podemos definir los siguientes grupos de colores, que nos crearán buenas
combinaciones en una página web:
o Colores
acromáticos: aquellos situados en
la zona central del círculo cromático, próximos al centro de este, que han
perdido tanta saturación que no se aprecia en ellos el matiz original.
o Colores
cromáticos grises: situados cerca
del centro del círculo cromático, pero fuera de la zona de colores acromáticos,
en ellos se distingue el matiz original, aunque muy poco saturado.
o Colores
monocromáticos: variaciones de
saturación de un mismo color (matiz), obtenidas por desplazamiento desde un
color puro hasta el centro del círculo cromático.
o Colores
complementarios: colores que se
encuentran simétricos respecto al centro de la rueda. El Matiz varía en 180 º
entre uno y otro.
o Colores
complementarios cercanos: tomando
como base un color en la rueda y después otros dos que equidisten del
complementario del primero.
o Dobles
complementarios: dos parejas de
colores complementarios entre sí.
o Tríadas
complementarias: tres colores
equidistantes tanto del centro de la rueda, como entre sí, es decir, formando
120º uno del otro.
o Gamas
múltiples: escala de colores
entre dos siguiendo una graduación uniforme. Cuando los colores extremos están
muy próximos en el círculo cromático, la gama originada es conocida también con
el nombre de colores análogos.
o Mezcla
brillante-tenue: se elige un
color brillante puro y una variación tenue de su complementario.
Todos estos grupos de colores forman paletas armónicas, aptas para ser
usadas en composiciones gráficas.
miércoles, 13 de marzo de 2013
Suscribirse a:
Entradas (Atom)